Кузьма Петров-Водкин - русский художник, который соединил в своем творчестве традиции мирового искусства и оригинальный язык живописи, который был к тому же глубоко национальным по духу. Именно он, некогда сын сапожника, смог создать монументальную работу и икону русского авангарда - «Купание красного коня».

Одно из самых мистических произведений искусства, с которым связано множество неоднозначных историй, все также продолжает интересовать не только профессиональных искусствоведов, но и простых обывателей. Образ с картины, который даже нельзя назвать человеком, скорее сущностью, настолько растиражирован, что узнаваем даже теми, кто далек от изобразительного искусства. Однако не все знают, что «Крик» - это цикл картин, причем посвященных вполне возвышенным ценностям: любви, жизни и смерти. Теперь открылась еще одна особенность, подхлестнувшая к ней интерес. Ученые, исследовавшие образцы краски, впрочем, такой процедуре подвергаются все экспонаты мировой классики, пришли к выводу, что картина теряет цвет.

Малые голландцы не писали картины для дворцов и музеев. Наверное, художники того времени удивились бы, узнав, что их работы украшают залы Эрмитажа и Лувра. Нет, произведения голландских живописцев семнадцатого века – кроме разве что Рембрандта и других создателей больших, монументальных полотен – предназначались для небольших гостиных со скромной обстановкой, для домов, где жили обычные горожане или крестьяне. Ни до, ни после искусство не было так востребовано простыми людьми, а сама эпоха малых голландцев дала жизнь многим новым жанрам и новым сюжетам в живописи.

Лишь немногие мировые лидеры понимают ценность визуального искусства и ее роль в политической работе руководителя. Выгодную функцию искусства всегда осознавал Наполеон Бонапарт. На протяжении всей своей политической карьеры и вплоть до его полного отстранения от должности в 1815 году, Наполеон использовал искусство (и талант художников), чтобы продемонстрировать свою политическую мощь. Одним из самых известных изображений французского лидера является написанная в 1806 году картина Жана-Огюста-Доминика Энгра «Наполеон на его имперском троне».

Чтобы создать шедевр, многие из художников пользовались проверенным веками способом: взять один из библейских сюжетов и представить его на холсте в соответствии со своими умениями и собственной философией. А уж насколько зрителям всех времен было интересно совершать такие экскурсы в Ветхий и Новый Завет, можно судить по тому, что множество таких живописных иллюстраций Библии представляют собой лучшее в мировом изобразительном искусстве.

Русский художник Карл Павлович Брюллов (12 декабря 1799 - 11 июня 1852), которого без преувеличения называют «Великим Карлом», прославился благодаря своим монументальным работам, самая знаменитая из которых - «Последний день Помпеи». На этой и других полотнах мастера сложно не заметить героиню с милым лицом и искрящимися глазами. Это любимая модель художника - графиня Самойлова.

Вопрос, что написать на маленькой табличке под картиной, не так прост, как кажется на первый взгляд. Кого считать автором – того лишь художника, кто выполнил всю работу, не прибегая к посторонней помощи? А если он просил коллегу-пейзажиста приложить руку к произведению? Отдал завершить картину своим подмастерьям? Внес важные улучшения в работу ученика? Часто фамилию мастера можно увидеть даже под картиной, которую он ни разу не видел, более того, которая могла быть написана спустя многие годы после его смерти.

Несомненно у любого творческого человека достаточно работ, которые никто, нигде и никогда не видел. От Стивена Кинга и Стивена Спилберга до древних поэтов и художников творцы постоянно скрывают ряд свой шедевры от широкой публики. А иногда эти работы могут радикально изменить взгляд ценителей искусства на их создателей.

Картина итальянского художника Сандро Боттичелли «Рождение Венеры», безусловно, является одним из самых знаковых произведений в галерее Уффици и одной из самых известных картин во всем мире. Моделью Венеры стала знатная и влиятельная женщина, Симонетта Каттанео Веспуччи, которую без преувеличения считают величайшей красавицей во Флоренции той эпохи.

Золотой век истории Нидерландов дал миру в том числе и много талантливых живописцев. Был среди них Герард Доу, некогда оцененный чрезвычайно высоко, потом почти забытый, а в XX веке снова вернувшийся в ряды великих. Немудрено – его работами интересовались европейские монархи, и каждая из них стоила баснословных денег – Рембрандт проигрывал в этом своему ученику Доу. Насколько заслуженной была эта слава и почему творчество «малого голландца» из Лейдена встречает противоречивые отклики?