Как картины известных художников стали частью моды, сформировав новый стиль ХХ века

1. Хэлстон И Уорхол: Модное Братство

Четыре портрета Хэлстона, Энди Уорхол. \ Фото: google.com.

Дружба между Роем Хэлстоном и Энди Уорхолом определила художественный мир. И Рой, и Энди были лидерами, которые проложили путь к тому, чтобы сделать художника/дизайнера знаменитостью. Они сняли претенциозное клеймо мира искусства и принесли моду и стиль в массы. Уорхол использовал шелкографию для создания изображений несколько раз. Хотя он, конечно, не изобрёл этот процесс, но произвёл революцию в идее массового производства.

Рой же использовал ткани и узоры, которые были простыми и элегантными, но гламурными с его использованием блесток, ультрасьюда и шёлка. Он был одним из первых, кто сделал американскую моду доступной и желанной. И то, и другое наложило окончательный отпечаток на искусство и стиль на протяжении 1960-х, 70-х и 80-х годов, который сохраняется и по сей день.

И Рой, и Энди сотрудничали вместе во многих различных проектах. Уорхол создавал рекламные кампании, в которых фигурировала одежда Хэлстона и даже сам Хэлстон. В свою очередь Хэлстон использовал цветочный принт Уорхола в некоторых коллекциях своей одежды от вечерних платьев до комплектов для отдыха.

Слева направо: Цветы, 1970 год. \ Лиза, 1978 год. \ Цветы, 1970 год. (Все работы Энди Уорхола). \ Фото: wmonden.ro.

Рой использовал простые узоры в своих одеждах, что делало их очень успешными. Они были удобными в носке, но при этом в них присутствовали нотки роскоши благодаря тканям, цветам и принтам. Уорхол также упростил свои материалы и процесс. Это облегчило воспроизведение его работ и сделало их более продаваемыми.

Коммерческий успех имел свои проблемы для обоих творческих личностей. Хэлстон был первым, кто начал сотрудничать с розничной сетью JCPenney в 1982 году и это сказалось на качестве его бренда. Уорхол также был встречен критикой, поскольку его работы были восприняты как поверхностные. Тем не менее, оба модернизировали использование розничной торговли и маркетинга в своих соответствующих пространствах, чтобы создать бренды для продажи на массовом рынке.

Слева направо: Вечернее платье от Halston, 1972 год. \ Платье с накидкой, 1966 год. \ Костюм, 1974 год. \ Фото: google.com.

Рой и Энди были частыми посетителями «Студии 54». Они устраивали вечеринки, разрабатывали и выпускали работы для таких знаменитостей, как Лайза Миннелли, Бьянка Джаггер и Элизабет Тейлор. Всё это нашло отражение в их работах, поскольку они вдохновили и определили эпоху диско 1970-х годов.

Слева направо: Алмазные туфли, 1980 год. \ Алмазные туфли с женским платьем, 1972 год. \ Фото: pinterest.com.

Хэлстон был известен тем, что создавал блестящую вечернюю одежду. Рой укладывал блёстки на ткань горизонтально, что создавало мерцающий эффект материала, который он использовал для создания роскошных нарядов, полюбившихся многим гламурным дамам.

Серия туфель с бриллиантовой пылью Уорхола также иллюстрирует ночную жизнь «Студии 54» и обитающих в ней знаменитостей. Алмазная пыль - то, что он использовал поверх трафаретов или картин, создавая дополнительный элемент глубины для произведения. А его туфли изначально были идеей для рекламной кампании Хэлстона. В любом случае эти двое привнесли огромный вклад в моду, оставив после себя неизгладимый след. Ведь даже на сегодняшний день многие современные дизайнеры вдохновляются идеями Энди и Роя, создавая великолепные коллекции с отголосками прошлого.

2. Соня Делоне: Когда искусство становится модой

Соня Делоне с двумя подругами в студии Роберта Делоне, 1924 год. \ Фото: twitter.com.

Соня Делоне не только произвела революцию в новой форме кубизма, но и представила связь между искусством и модой. И Делоне, и её муж были пионерами орфизма и экспериментировали с различными формами абстракции в искусстве. Она была первой в своём роде, кто использовал свой собственный художественный стиль и переходил в мир моды, используя свои оригинальные текстильные дизайны, принты или узоры. Её больше помнят за искусство и связь с мужем, чем за моду. Её стиль сыграл главную роль в 1920-х годах, а каталог одежды запоминается больше по фотографиям и ссылкам на её искусство, чем сами предметы одежды. Для Сони не было и нет границы между искусством и модой. Для неё они - одно и то же.

Слева направо: Три платья, Соня Делоне, 1925 год. \ Три платья в одном, 1913 год. \ Фото: yandex.ua.

Она начала свой модный бизнес в 1920-х годах, создавая одежду для клиентов и занимаясь дизайном тканей для производителей. Соня назвала свой лейбл Simultane и ещё больше продвинулась в использовании цвета и рисунка на различных предметах. Симультанность играла важную роль в её работе, а её необычная техника напоминала лоскутное одеяло или текстиль из Восточной Европы: цвета накладывались друг на друга, а узоры использовались для создания гармонии и ритма. Её общие темы включают квадраты/прямоугольники, треугольники и диагональные линии или сферы – все они накладываются друг на друга в её различных проектах.

Работы Сони Делоне. \ Фото: ok.ru.

Делоне была молодой женщиной в эдвардианскую эпоху, когда корсеты и конформизм были нормой. Это изменилось в 1920-е годы, когда женщины стали носить юбки выше колен и свободную, облегающую одежду. Этот аспект можно увидеть в дизайне Делоне, и она была увлечена созданием одежды, соответствующей потребностям женщин. Соня разработала купальники, которые позволяли женщинам более комфортно себя чувствовать, даже во время спортивных игр и плавания. Она помещала свои принты на пальто, обувь, шляпы и даже автомобили, используя любую поверхность как холст. Её проекты создавали свободу движения и выражения через цвет и форму.

Слева направо: Костюм для фильма Рене Ле Сомптье, 1926 год. \ Костюм Клеопатры для русского балета, 1918 год. \ Фото: facebook.com.

На протяжении всей своей карьеры она постоянно пробовала себя в чём-то новом, и в итоге, перешла в кино и театр. Соня разработала костюмы для фильма Рене Ле Сомптье «Маленький парижанин», в то время, как её муж занимался декорациями для данной киноленты. Она увлекалась геометрическими формами, ловко сочетая и миксуя их между собой, создавая причудливые узоры и ломанные линии, ставшие её визитной карточкой.

3. Сотрудничество Эльзы Скиапарелли и Сальвадора Дали

The Shoe Hat. \ Фото: gr.pinterest.com.

Авангард сюрреалистического искусства сочетается с лидером сюрреалистической моды. Сальвадор Дали и модельер Эльза Скиапарелли сотрудничали и вдохновляли друг друга на протяжении всей своей карьеры. Они создали культовые образы, такие как Lobster Dress, The Shoe Hat и The Tear Dress, которые шокировали и вдохновляли зрителей как в искусстве, так и в моде. Дали и Скиапарелли проложили путь для будущего сотрудничества между модельерами и художниками, преодолев разрыв между тем, что считается носимым искусством, и модой. Дали использовал омаров как повторяющуюся тему в своей работе и интересовался их анатомией.

Платье «Омар». \ Фото: pluralartmag.com.

Платье «Омар» — это совместная работа Эльзы и Дали, и их творение вызвало множество споров не только в день своего дебюта, а и после. Во-первых, у него прозрачный лиф и юбка из белой органзы. Необычный наряд буквально взорвал мир моды, вызвав множество разногласий на этот счёт. Использование белой ткани также контрастирует с красным цветом омара. Белый цвет можно считать девственным или символизирующим чистоту по сравнению с красным, который может означать раскованность, власть или опасность.

Слева направо: Женщина с цветочной головой, Сальвадор Дали, 1935 год. \ Платье Скелет, Эльза Скиапарелли, 1938 год. \ Фото: youtube.com.

Скелеты - ещё одна тема, встречающаяся в сюрреалистическом искусстве, и они использовались в большем количестве коллабораций между Дали и Скиапарелли. Платье «Скелет» было первым в своём роде. Эльза использовала технику, называемую трапунто, когда два слоя ткани сшиваются вместе, создавая контур, куда вставляется ватин, тем самым создавая рельефный эффект. Эта техника создаёт текстурированную поверхность на плоской ткани, порождая иллюзию того, что сквозь платье выступают человеческие кости. Это вызвало скандал, потому что платье было сделано из эластичного материала, который прилипал к коже. Фантазии картин и рисунков Дали были воплощены в нереальном мире нарядов Скиапарелли, которые и по сей день производят неизгладимое впечатление на как на зрителей, так и на дизайнеров.

4. Ив Сен-Лоран: Столкновение искусства и вдохновения

Слева направо: Платье в стиле Пикассо от Ива Сен-Лорана, 1988 год. \ Птицы Жоржа Брака, 1953 год. Фото: pinterest.com.

Где грань между подражанием и признательностью? Критики, зрители, художники и дизайнеры изо всех сил пытались определить, где проходит эта линия. Однако, когда речь шла об Ив Сен-Лоране, его намерения были не чем иным, как лестью и восхищением художниками и картинами, которые он использовал в качестве вдохновения. Глядя на своё обширное портфолио, Сен-Лоран был вдохновлён культурами и искусством со всего мира, которое он успешно включил в свою одежду.

Слева направо: Коктейльное платье - дань уважения Питу Мондриану, 1965 год. \ Вечернее платье - дань уважения Тому Вессельману, 1966 год. \ Фото: vk.com.

Хотя Ив никогда не встречался с художниками, которые его вдохновляли, это не помешало ему создавать произведения в знак уважения к ним. Лоран черпал вдохновение у таких художников, как Матисс, Мондриан, Ван Гог, Жорж Брак и Пикассо. Он был коллекционером произведений искусства и коллекционировал картины Пикассо и Матисса, которые развешивал в своём доме.

Ив взял некоторые художественные мотивы и превратил их в потрясающую одежду, которая отдаёт дань уважения некоторым из его любимых художников. 1960-е годы были временем революции и коммерциализма, новой эрой моды и искусства. Проекты Сен-Лорана обрели коммерческий успех, когда он начал черпать вдохновение в поп-арте и абстракции. В 1965 году он создал двадцать шесть платьев, вдохновлённых абстрактными картинами Пита Мондриана. Платья воплощали в себе использование Мондрианом упрощенных форм и смелых основных цветов. Ив использовал технику, при которой между слоями ткани не было видно швов, что создавало впечатление, будто одежда была одним целым куском. Сен-Лоран взял искусство Мондриана из 1920-х годов и сделал его пригодным для ношения относительно к 1960-м.

Слева направо: Фрагмент куртки в стиле Ван Гога, 1988 год. \ Знаменитые Подсолнухи Ван Гога, 1889 год. \ Фото: zhuanlan.zhihu.com.

Платья в стиле мод - это классические примеры стиля 1960-х годов. Они были похожи на одежду 1920-х годов, которая была менее скованной и имела рукава и подолы, открывающие большие участки кожи. Квадратные силуэты Сен-Лорана позволяли женщинам чувствовать себя легко и свободно. Это также привело его к вдохновению от таких художников поп-арта, как Том Вессельман и Энди Уорхол. Он создал линию дизайнов, вдохновлённых поп-артом, которые изображали силуэты и вырезы на его одежде. Речь шла о преодолении ограничений относительно того, что такое абстракция в искусстве и коммерциализация дизайна. Лоран соединил эти две идеи вместе, чтобы создать одежду для женщин, которая была бы свободной и привлекательной для современных дам.

Куртка в стиле Ван Гога, 1988 год. \ Фото: zhuanlan.zhihu.com.

Куртки Vincent Van Gogh от Saint Laurent — это пример того, как Ив сочетал вдохновение художника и свои собственные дизайнерские таланты. Как и другие его предметы одежды, темы, связанные с художниками, не были скопированы и наклеены на одежду Сен-Лорана. Вместо этого он решил использовать их как источник вдохновения и создавать произведения, отражающие его собственный стиль. Куртка представляет собой образец стиля 80-х годов, которая расшита подсолнухами в живописном стиле Ван Гога.

Лоран сотрудничал с домом Maison Lesage, лидером в области вышивки от кутюр. Куртка «Подсолнухи» расшита трубчатым бисером. Цветы наполнены различными оттенками оранжевых и жёлтых блесток. Это создаёт многомерную текстуру, похожую на технику Ван Гога наложения толстой краски на холст. По оценкам, это один из самых дорогих предметов высокой моды, который был сделан и продан на аукционе Christie's почти за четыреста тысяч евро. Сен-Лоран проложил путь к тому, чтобы носить одежду как произведение искусства само по себе, независимо от моды и временного периода.

В продолжение темы, читайте также о том, что привело Саеко Ямагути к успеху, сделав её одной из самых любимых муз Kenzo и Ямамото.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми: