Поп-арт против модернизма: Почему считают, что в 1960-х мир искусства радикально изменился

Модернизм

Вид на дюны с пляжем и пирсом, Питер Корнелис Мондриан, 1909 год, масло и карандаш на картоне, Музей современного искусства, Нью-Йорк. \ Фото: pinterest.ru.

Модернизм - международное движение в мире искусства, которое подчёркивало смысл радикального разрыва с прошлым и возможность преобразования мира. Возникший в конце девятнадцатого века как отказ от реализма и популизма, он экспериментировал с новыми творческими формами, часто под влиянием фотографии, кино и новых технологий.

Архитекторы и скульпторы также не остались в стороне, они часто использовали нетрадиционные материалы: металлические сплавы, стекло и синтетические пластмассы. В сфере искусства и литературы основное внимание уделялось субъективному восприятию, внутренним психологическим конфликтам и комплексам городской интеллигенции. Изображения отдельных личностей включали эксцентричных, запретных и ненормальных. Модернизм совпал и отразил быстрый рост капиталистического производства и подъём сильных феминистских, политических и национальных движений.

Слева направо: Дух-хранитель вод, Одилон Редон, 1878 год, бумага, уголь, Чикагский художественный институт. \ Портрет Даниэля Анри Канвейлера, Пабло Пикассо, 1910 год, Чикагский художественный институт.

Модернизм Центральной и Восточной Европы 1880-1913 годов часто рассматривается как стиль, охватывающий: импрессионизм, символизм, кубизм, абстракционизм, футуризм и экспрессионизм. Вторая волна модернизма появилась в 1914-30 годах, которая находилась под сильным влиянием радикальных политических движений в Европе и иногда идентифицировала себя как культурный авангард этих движений. Он был тесно связан с футуристами, конструктивистами, экспрессионистами и сюрреалистами послевоенных лет.

Слева направо: Национальный музей искусств Королевы Софии (национальный музей искусства Испании ХХ века), расположенный в Мадриде. \ Дом над водопадом — загородный дом, построенный в 1936-1939 годах по проекту американского архитектора Фрэнка Ллойда Райта.

Художники и скульпторы из Украины были активно вовлечены в художественную революцию, охватившую Европу в первом десятилетии двадцатого века. Многие провели время в Западной Европе, особенно в Париже, в довоенные годы, среди них Вадим Меллер, Александр Архипенко, Александра Экстер (Экстер), Михаил Бойчук, Давид Бурлюк, София Левицкая и другие. Другими выдающимися представителями модернизма в украинском искусстве были Александр Богомазов, Анатолий Петрицкий, Василий Ермилов, Виктор Пальмов и другие. Некоторые ведущие деятели международного авангарда идентифицировали себя как последователи новомодного движения, среди них Бурлюк, «отец» футуризма в Российской империи, Архипенко, создатель кубистических скульптур, Казимир Малевич, создатель супрематического искусства, и Татлин, известный своим конструктивизмом. Одни из этих художников были заинтересованы в провокационном попрании условностей. Другие - в изучении эстетики машин и использовании новых материалов, третьи - в утопических и дальновидных проектах.

Авангардные рисунки Вадима Георгиевича Меллера. \ Фото: twitter.com.

Чувство разочарования и утраты пронизывает большую часть американской модернистской художественной литературы. Оно может быть сосредоточено на конкретных людях, а может быть направлено на американское общество или на цивилизацию в целом. Это в свою очередь порождало нигилистический, разрушительный импульс или выражало надежду на перспективу перемен.

Слева направо: Эн Канот, Жан Метцингер, 1913 год. \ Портрет Эдуарда Космака, Эгон Шиле, 1910 год.

В изобразительном искусстве это движение корнями уходит к творчеству художника Эдуарда Мане, который, в начале 1860-х годов, изображал не только сцены современной жизни, но и решил порвать с традицией, имитировать реальный мир с помощью правильных перспектив и моделирования. Вместо этого он обратил внимание на тот факт, что его произведение искусства было просто краской на плоском холсте и что оно было сделано с помощью кисти, которая иногда оставляла свой след на поверхности композиции.

Лежащая фигура, Генри Мур, 1957 год, перед зданием Кунстхауса, Цюрих, Швейцария. \ Фото: zea.wikipedia.org.

Именно поэтому, он решил пересмотреть свои взгляды в отношении искусства, выбрав для себя одно из многогранных направлений. Последующие авангардные движения включали в себя как импрессионизм, постимпрессионизм, футуризм, кубизм, так и де стиль, абстрактный экспрессионизм, конструктивизм и многое другое, благодаря чему художники стали уделять большее внимание линиям, формам и цвету в своём творчестве, постепенно уходя от классических представлениях об искусстве. В начале двадцатого века люди, связанные с архитектурой, также стали отказываться от старых стилей и условностей, отдавая предпочтения новым возможностям и перспективам.

ЧИТАТЬ ТАКЖЕ: О чём рассказывают абстрактные шедевры первой британской женщины-скульптора Барбары Хепворт >>

Поп-арт

Слева направо: Девушка со слезой, Рой Лихтенштейн. \ Сладких снов, детка!, Рой Лихтенштейн, 1965 год.

Многие искусствоведы предполагают, что волна модернизма закончилась американским поп-артом. Они говорят, что если модернизм был сосредоточен на самовыражении отдельного художника и его внутреннего мира, то поп-арт был полной противоположностью. Вместо того, чтобы заглядывать внутрь себя в поисках вдохновения, поп-артисты оглянулись на реальный мир, взяв образы из таких аспектов популярной культуры, как журналы, рекламные щиты и комиксы, и сделав их похожими на искусство. Это слияние так называемой высокой и низкой культуры стало началом того, что мы сейчас называем «постмодернизмом». Это был совершенно новый взгляд на искусство, пришедший после модернизма (отсюда и термин постмодерн), спровоцированный поп-артом.

Диптих Мэрилин Монро, Энди Уорхол. \ Фото: smarthistory.org.

На первый взгляд может показаться, что поп-арт прославляет популярную культуру, возводя банки из-под супа, комиксы и гамбургеры в ранг изобразительного искусства на стенах музеев. Но, опять же, второй взгляд может предложить критику практики массового маркетинга и потребительской культуры, возникшей в Соединённых Штатах после Второй мировой войны. «Золотая Мэрилин Монро» Энди Уорхола (1962) ясно отражает эту присущую поп-музыке иронию. Центральное изображение на золотом фоне напоминает о религиозных традициях нарисованных икон, превращая голливудскую старлетку в византийскую Мадонну, которая отражает человеческую одержимость знаменитостями.

Деталь: Диптих Мэрилин, Энди Уорхол, 1962 год, холст, акрил. \ Фото: google.com.

Примечательно, что духовная отсылка Энди была особенно острой, учитывая самоубийство Монро несколькими месяцами ранее. Подобно религиозным фанатикам, поклонники актрисы поклонялись своему кумиру; тем не менее, небрежная шелкография Уорхола привлекает внимание к искусственности гламурного образа Мэрилин и ставит её рядом с другими товарами массового спроса, такими как банка супа или коробка прокладок Brillo.

И совсем неудивительно, что термин поп-арт впервые появился в Великобритании, которая после войны испытывала большие экономические трудности. В конце 1940-х годов художники Независимой группы впервые начали использовать идеализированные образы американского образа жизни, которые они находили в популярных журналах, в рамках своей критики британского общества.

Энди Уорхол в звёздной студии 54, где он устраивал вечеринки со знаменитостями. \ Фото: artivist.squarespace.com.

После революционного постмодернистского подхода поп-арта искусство уже никогда не будет выглядеть прежним, вот почему его так часто называют концом модернизма и началом новой эры. Поп-арт, особенно в Великобритании и Соединённых Штатах, открыл шлюзы для целого ряда новых эклектичных подходов к созданию искусства. Рой Лихтенштейн включил отрывки из комиксов в свои картины и гравюры, в то время как Энди Уорхол привнёс повседневные логотипы или изображения знаменитостей в свои многочисленные произведения искусства. Клас Ольденбург создавал гигантские скульптуры гамбургеров размером с диваны, в то время как Ричард Гамильтон создавал сатирические коллажи с изображением идеализированных фигур из журналов. Без всего их новаторского искусства никогда бы не появилось множество художественных течений, включая фотореализм, поколение картин, капиталистический реализм, неоэкспрессионизм, нео-поп и многое другое.

Слева направо: Профитроль, Клас Ольденбург, 1990 год. \ Упавший конус (коллаборация с van Bruggen), Клас Ольденбург, 2001 год.

Истоки поп-арта можно проследить ещё дальше. В 1917 году Марсель Дюшан утверждал, что любой предмет, включая его печально известный пример писсуара, может быть искусством, если художник задумал его как таковой. Художники 1950-х годов основывались на этом понятии, чтобы бросить вызов границам, отделяющим искусство от реальной жизни, в таких дисциплинах, как музыка и танец, а также изобразительное искусство. Желание Роберта Раушенберга работать в промежутке между искусством и жизнью, например, побудило его включить такие предметы, как подушки для кровати, шины и даже чучело козла, в свои комбинированные картины, которые объединили черты живописи и скульптуры.

Слева направо: Марсель Дюшан. \ «Фонтан», представляет собой писсуар с автографом и датой.

Точно так же Клас Олденбург создал «Магазин», инсталляцию в пустой витрине магазина, где он продавал грубо сделанные скульптуры из фирменных потребительских товаров. Эти и многие другие художники отчасти выступали против жесткой критической структуры и возвышенной философии, окружающей абстрактный экспрессионизм, доминирующее художественное движение того времени; но их работа также отражала многочисленные социальные изменения, происходящие вокруг них.

ЧИТАТЬ ТАКЖЕ: Что хранится в Музее современного искусства: 11 неоднозначных работ, производящих двоякое впечатление >>

Наследие

Минимализм Дональда Джадда. \ Фото: google.com.

Но не стоит заблуждаться, будто бы поп-арт вырвался на художественную сцену и сделал всё то, что было до него, здесь всё гораздо сложнее. Итак, некоторые могут сказать, что поп-арт не означал конца модернизма, потому что модернизм никогда официально не заканчивался. Вместо этого он просто на некоторое время отошёл на задний план, позволив поп-искусству занять центральное место. Вершиной модернизма был минимализм с его чистой абстракцией, как это видно в работах Дональда Джадда и Агнес Мартин. Этот стиль фактически сосуществовал наряду с поп-артом вплоть до 1970-х и далее, продолжая развиваться в новых направлениях и прокладывая путь концептуализму.

Море, Агнес Мартин, 2003 год. \ Фото: wikiart.org.

Ещё одним аспектом модернизма, который на самом деле никогда не исчезал, а просто терял популярность, была выразительная живопись. Многие художники продолжали создавать интуитивные, выразительные картины, даже когда их искусство считалось унылым и вышедшим из моды, такие как Виллем де Кунинг, Ли Краснер и Хелен Франкенталер. Чтобы ещё больше усложнить ситуацию, некоторые художники объединили элементы минимализма или экспрессионизма с поп-искусством, доказав, что между этими двумя лагерями не было такого четкого различия. Джим Дайн, например, создавал беспорядочные картины и гравюры в стиле поп, в то время как Джеймс Розенквист создавал инсталляции в стиле поп с геометрическим порядком минимализма.

Слева направо: Композиция, Виллем де Кунинг, 1955 год, Музей Гуггенгейма, Нью-Йорк. \ Виллем де Кунинг.

Годы, последовавшие за Второй мировой, ознаменовались огромным ростом американской экономики, который в сочетании с инновациями в области технологий и СМИ породил потребительскую культуру с огромным количеством свободного времени и расходных доходов, чем когда-либо прежде. Обрабатывающая промышленность, которая расширилась во время войны, теперь начала массово производить всё, от лака для волос и стиральных машин до блестящих новых кабриолетов, которые, как утверждали рекламодатели, доставят своим владельцам максимальную радость. Примечательно, что развитие телевидения, а также изменения в печатной рекламе сделали новый акцент на графических изображениях и узнаваемых логотипах брендов — то, что мы теперь считаем само собой разумеющимся в нашем визуально насыщенном мире. Именно в этом художественном и культурном контексте поп-артисты разработали свой особый стиль начала 1960-х годов. Характеризуемый чётко прорисованными изображениями популярных сюжетов, он, казалось, противоречил стандартам современной живописи, которая воспринимала абстракцию как отражение универсальных истин и индивидуального самовыражения.

Ленор ( Ли) Красснер. \ Фото: wordpress.com.

В отличие от капающей краски и резких мазков абстрактного экспрессионизма поп-арт-художники использовали свои краски, чтобы имитировать внешний вид техники промышленной печати. Примером этого ироничного подхода являются методично нарисованные Лихтенштейном точки Бен-Дея, механический процесс, используемый для печати целлюлозных комиксов. По мере того, как шло десятилетие, художники переходили от живописи к использованию промышленных технологий. Уорхол начал делать шелкографии, а затем ещё больше отошёл от процесса, попросив других заняться печатью в его студии, метко названной «Фабрикой». Точно так же Ольденбург отказался от своих ранних инсталляций и перформансов, чтобы создать крупномасштабные скульптуры из кусочков торта, губной помады и прищепок, которыми он наиболее известен сегодня.

Инсталляция «Аптека» (Farmacy), Дэмьен Херст. \ Фото: vogue.com.tr.

На сегодняшний день зритель может видеть влияние модернизма в современном искусстве, предполагая, что на самом деле оно никогда не заканчивалось, а просто меняло форму, мутируя в соответствии с окружающим обществом и временем. Несколько примеров включают сетчатые инсталляции Дэмьена Херста или причудливые абстрактные картины Фионы Рей. Всё это в свою очередь говорит о том, что история искусства никогда не бывает такой ясной и линейной, как может показаться, просто всё меняется, при этом проистекая из одного в другое.

В продолжение темы, читайте также о том, почему модернизм и постмодернизм критиковали на протяжении долгих лет, ставя под сомнения эти два направления.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми: